O ENSINO DE ARTES VISUAIS, CONTEPORANEAMENTE...

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FERNANDO BRANT

OS MENINOS E JUAN MIRÓ

Cantando e contando histórias vai-se construindo uma possibilidade de criação de melhores cidadãos

As crianças de 5 anos aprendem na escola a magia do traço de Juan Miró. São pequenas, mas falam com uma desenvoltura admirável sobre o que aprenderam. As características essenciais da pintura surrealista contrastando com o olhar real de outro artista, que retrata animais e objetos que todos conhecem. A simples percepção da diferença de foco já é um achado.

A sensibilidade menina percebe a estrela sempre presente nas obras do pintor catalão. E vê que as pessoas que ele traça na tela são desconstruídas, misturadas, todos os pedaços lá estão, mas de forma desorganizada, diferente.

Agora, eles vão tentar reproduzir o que aprenderam. E vários Mirós surgem na sala, felizes. Pais e avós, orgulhosos, sorriem pelos olhos e pelas bocas. A arte educa. Um dos caminhos é a música. E como a meninada gosta de cantar. Há, há alguns anos, movimento de criação de canções de qualidade para eles. De várias cidades do país chegam melodias e letras para a garotada, superiores ao que é oferecido aos adultos nos meios de comunicação de massa.

Cantando e contando histórias vai-se construindo uma possibilidade de criação de melhores cidadãos. Pelos que estão no meu raio de influência, procuro fazer a minha parte.

O desenho é outra vereda para se atiçar a sensibilidade dos pequenos. Eles movem suas mãos conduzindo lápis, giz e pincéis, e preenchem o vazio do papel de acordo com seu controle motor, sua personalidade e imaginação.

Muitas escolas, hoje, não querem repetir o erro cometido contra os que são pais e avós agora. Os meninos vinham da infância cheios de vontade de invenção e eram jogados em um ensino formal, que lhes tirava toda sede de criar.

As aulas de desenho que tive no colégio fizeram com que odiasse aquela matéria. Professor é essencial, mas é uma profissão que pode abrir ou fechar, encaminhar ou desviar o rumo de seus alunos.

Mas o que sinto nesta escola que visito sempre é que se usam arte e a beleza para fazer a criançada crescer. A educação tem de ser um jogo agradável, um despertar para o conhecimento. E quando se dança, se canta, se pinta e se brinca. Quando há sensibilidade nos mestres, pois são mestres essas moças que cuidam dos primeiros passos dos que amamos, toda esperança e otimismo têm razão de ser.

Os desenhos desses meninos me lembram o que nunca mais consegui fazer. Admiro a inocência e a coragem implícita que eles têm de se aventurar entre rabiscos que se tornam coisas belas. Dou um beijo na menina que me fez vir a esse encontro e saio pela rua inundado de felicidade.

Estado de Minas/Caderno de Cultura-pág.10/14dez2011

XXI CONFAEB-CONGRESSO NACIONAL DA FEDERAÇÃO DE ARTEEDUCADORES DO BRASIL

A FAEB foi criada em 1987 e se constitui na primeira entidade civil para-acadêmica voltada para a pesquisa e o ensino das linguagens artísticas (artes visuais, música, teatro e artes visuais), em âmbito nacional, congregando atualmente onze associações e núcleos regionais, a saber: AAEESC / Associação de Arte-Educadores do Estado de Santa Catarina; AAEPA / Associação de Arte-Educadores do Estado do Pará; AEBA / Associação de Arte-Educadores da Bahia; AERJ / Associação de Arte-Educadores do Rio de Janeiro; AESP /Associação dos Arte-Educadores de São Paulo; AGA-RS / Associação Gaúcha de Arte-Educadores; AMAE / Associação Maranhense de Arte-Educadores; AMARTE /Associação Mineira de Arte-Educação; ANARTE / Associação Nordestina de Arte-Educadores Núcleo Pernambuco; APAAL / Associação de Professores de Arte de Alagoas; APAEP / Associação Paranaense Paraná); APPARTE / Associação Paraibana de Profissionais de Arte na Educação; ASAE / Associação de Arte-Educadores do Distrito Federal; ASMAE / Associação Sul-Matogrossense de Arte-Educadores; Grupo de Estudos de Arte-Educadores do Espírito Santo; Grupo Semana Noêmia Varela do Piauí.

Contando com esse apoio de base e estando bem estruturada em todas as regiões do Brasil, a FAEB vem liderando desde a sua criação um vigoroso movimento em favor da presença da arte na educação brasileira – seja atuando junto aos parlamentares da constituinte de 1988, na pressão sobre o Conselho Federal de Educação no momento da elaboração das diretrizes para o ensino superior e básico, na luta junto aos poderes públicos por conquistas que assegurem a qualidade do trabalho arte educativo na escola e na comunidade, dentre outras frentes. Representa ainda o Brasil junto ao CLEA / Conselho Latino Americano de Educação pela Arte e integra uma rede de entidades que almejam o fortalecimento da criação artística e o acesso à cultura.

O congresso de São Luís será o vigésimo primeiro da história da FAEB, marcando a presença e a força do Norte e Nordeste que une o Brasil. Anteriormente foram realizados congressos em Brasília (três vezes); Florianópolis, Campinas e Goiânia (duas vezes) e também em São Paulo, Porto Alegre, Belém, Recife, Campo Grande, Macapá, Salvador, Rio de Janeiro, Ouro Preto, região do Cariri (CE) e Belo Horizonte.

Será esta uma excelente oportunidade de integrar o estado do Maranhão na luta por mais investimentos na esfera da cultura, com projetos voltados para reflexão sobre a pesquisa em arte, educação e tecnologia para o apoio ao trabalho dos arte-educadores e para o suporte à ação dos agentes culturais. A cidade de São Luís, patrimônio universal da cultura, dará suporte físico e sentimental ao processo de construção de novas maneiras de formação de arte-educadores e de professores de arte.

A parceria interinstitucional estabelecida entre a Universidade Federal do Maranhão / UFMA e o Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Maranhão / IFMA, contando ainda o apoio dos órgãos públicos federais, estaduais e municipais, será a garantia de um congresso primoroso e socialmente válido.

A UFMA conta com larga experiência na formação de professores de arte, desde os anos 1970, além de contar com um mestrado interdisciplinar que dá forte ênfase em pesquisas acerca das linguagens da arte – PGCULT / Programa de Pós-Graduação Cultura e Sociedade.

O IFMA também tem um patrimônio memorável no que se reporta à relação entre arte e educação e o Campus Centro Histórico possui um perfil voltado para a cultura, arte e tecnologia.

Os campi de São Luís da UFMA e do IFMA estão sendo reformados atualmente, com previsão de inauguração das obras em tempo hábil para a realização do XXI CONFAEB – grandes auditórios, cine-teatro, salas de aula amplas, laboratórios de multimídia, praças e galerias. A união entre essas duas instituições será um marco muito importante na dimensão local mas também em termos nacionais, favorecendo a inserção e a inclusão das mesmas no panorama científico e artístico até mesmo no cenário internacional.

OBJETIVOS

- Promover o encontro de pesquisadores, professores e estudantes de arte e de arte-educação, com vistas a possibilitar a elaboração de novos projetos de pesquisa em artes visuais, dança, música e teatro, bem como a ampliação dos já existentes.

- Propiciar a visibilidade da pesquisa sobre arte, educação e tecnologia, ampliando as possibilidades de surgimento de novas abordagens relacionando a arte-educação aos seguintes temas: histórias do ensino de arte; formação de professores; métodos e teorias metodológicas; educação, arte e tecnologias da informação e da comunicação; recepção e mediação cultural; educação, arte, gênero e trânsitos nas estéticas do corpo; linguagens da arte e suas confluências interdisciplinares; multi e interculturalismo.

- Definir estratégias de possíveis caminhos e as metas nacionais que permitam avançar na construção de saberes didáticos, pedagógicos, investigativos e de políticas públicas nos setores de arte-educação e cultura nessa região brasileira.

- Gerar propostas de fomento à arte-educação,consolidando redes de informação e comunicação para a apropriação, criação e pesquisa nos campos artístico e cultural.

RELAÇÃO DE CONGRESSOS REALIZADOS DESDE 1988

I CONFAEB – 1988, Taguatinga (DF) – Tema: Formação do professor

II CONFAEB – 1989, Brasília – Tema: LDB. Evento paralelo: III Encontro Latino Americano de Arte/Educação (ELAE)

III CONFAEB – 1990, São Paulo – Apoio: Associação dos Arte-Educadores de São Paulo (AAESP)

IV CONFAEB – 1991, Porto Alegre – Tema: Ensino de arte: alienação ou compromisso. Apoio: Associação Gaúcha de Arte-Educadores (AGA)

V CONFAEB – 1992, Belém – Tema: Arte-educador: reflexões e práxis. Evento paralelo: 1º Fórum sobre os Currículos dos Cursos de Artes. Apoio: AAEPA

VI CONFAEB – 1993, Recife – Tema: Alfabetização estética: da criação à recepção, projeto para o 3º milênio. Evento paralelo: 2º Fórum sobre os Currículos dos Cursos de Artes

VII CONFAEB – 1994, Campo Grande – Tema: Educação estética para a América Latina. Eventos paralelos: III Encontro Latino-Americano de Arte-Educadores / II Fórum Nacional de Avaliação e Reformulação do Ensino Superior das Artes

VIII CONFAEB – 1995, Florianópolis – Tema: Ensino de Arte e a socialização dos Bens Artísticos. Apoio: UDESC

IX CONFAEB – 1996, Campinas – Tema: Ensino de arte: rumos, ações e resistências. Apoio: AAESP e PUCCAMP

X CONFAEB – 1997, Macapá – Tema: Qualidade e produção para o ensino da arte. Apoio: Universidade Federal do Amapá

XI CONFAEB – 1998, Brasília – Tema: Políticas educacionais e culturais no limiar do séc. XXI. Apoio: ASAE/DF; UnB

XII CONFAEB – 1999, Salvador – Tema: É possível ensinar arte? Globalização, identidade e diferenças

XIII CONFAEB – 2001, Campinas – Tema: Ensino da Arte: História e Perspectivas. Evento paralelo: 1º Festival Sul-Sudeste de Arte sem Barreiras

XIV CONFAEB – 2003, Goiânia – Tema: Arte/Educação: Culturas do ensinar e culturas do aprender.   Apoio: FAV-UFG

XV CONFAEB – 2004, Rio de Janeiro – Tema: Trajetórias e políticas do ensino de arte no Brasil. Apoio: FUNARTE

XVI CONFAEB – 2006, Ouro Preto – Tema: Unidade na Diversidade: tendências, conceitos e metodologias no ensino da arte. Apoio: Associação Mineira de Arte-Educação (AMARTE) / UFOP / UFMG/ Prefeitura e Fundação de Arte de Ouro Preto

XVII CONFAEB – 2007, Florianópolis – Tema: FAEB 20 anos de história. Apoio: Associação dos Arte-educadores de Santa Catarina

XVIII CONFAEB – 2008, Cariri (CE): – Tema:Arte/Educação contemporânea: narrativas do ensinar e aprender artes. Apoio: Universidade Regional do Cariri – URCA

XIX CONFAEB – 2009, Belo Horizonte – Tema: Concepções contemporâneas. Em paralelo: Encontro Nacional de Arte/Educação, Cultura e Cidadania. Apoio: UFMG

XX CONFAEB – 2010, Goiânia – Tema: CONFAEB 20 anos: indivíduos, coletivos, comunidades e redes. Evento paralelo: VII Seminário do Ensino de Arte do Estado de Goiás.      Apoio: FAV-UFG

XXI CONFAEB – 2011, São Luís – Tema:  Culturas da pesquisa: arte, educação, tecnologia. Evento paralelo: XI Encontro Humanístico. Apoio: UFMA; IFMA

O PROFESSOR/PESQUISADOR/ARTISTA - O PERFIL DO PROFESSOR DE ENSINO DE ARTES VISUAIS

 NOVAS TERRITORIALIDADES E IDENTIDADES CULTURAIS: O ENSINO DE ARTE E AS TECNOLOGIAS CONTEMPORÂNEAS

Lucia Gouvêa Pimentel - UFMG

Resumo

O artista tem como uma de suas prerrogativas ser errante de ideias e processos. O ensino tem por norma ser uma forma sistematizada, sob o controle de um professor. O pesquisador tem por obrigação ir a fundo nas questões que investiga. Ser artista/professor/pesquisador exige investimento constante em cada uma dessas ações. Tendo como premissa que para ser professor de Arte é necessário ter uma prática artística e atividade de pesquisa, o trabalho de formação desse professor reveste-se de complexidade e importância redobradas. Questões como identidade cultural e adequação de escolha de trabalho com determinados artistas locais, regionais, nacionais ou internacionais são importantes para o alinhamento que se propõe no ensino de Arte ao mundo contemporâneo.

Palavras-chave: Ensino de Arte; Cultura, Tecnologias Contemporâneas.

Abstract

One of the prerogatives of the artist is to be nomadic with respect to ideas and processes. Teaching normally complies with a systematic standard, under the teacher's control. The researcher has to delve deep into the questions being investigated. To be an artist/teacher/researcher requires constant investment in each of those activities. Because, in order to be an art teacher it is necessary to practise art and carry out research, the job of training art teachers assumes redoubled complexity and importance. Questions about cultural identity and making good choices with respect to working with particular artists, whether local, regional, national or international, are important for aligning what is proposed in art teaching with the contemporary world.

Key Words: Art teaching; Culture; Contemporary technologies.

Artista/professor/pesquisador

A dinâmica da produção artística refere-se a reflexos e incitações do pensamento humano, que se transmutam em formas, sons, cores, movimentos, gestos etc. E a arte contemporânea é, ao mesmo tempo, condescendência e contradição; apaziguamento e conflito; paridade e incongruência. O artista tem como uma de suas prerrogativas ser errante (nômade) de ideias e processos. O ensino tem por norma ser uma forma sistematizada, sob o controle de um professor. O pesquisador tem por obrigação ir a fundo nas questões que investiga.

As fontes de fruição, contextualização e experimento artístico são, em primeira instância, uma escolha dialogal entre: professores de Arte, escola e alunos em seus respectivos locais de trabalho. Há que se considerar que a provocação da experiência estética tem que incluir não só artes curatorialmente reconhecidas (de suma importância), como também são igualmente relevantes o artesanato, a arte popular, a arte de mídia eletrônica e outras. A tecnologia digital propicia novas formas de pensar e fazer arte. Para que isso aconteça, os alunos precisam entender a natureza dos instrumentos de arte e os meios de escolha.

As ações de artista, professor e pesquisador se formam não somente nos cursos universitários, mas também na prática diária de sala de aula, desde que o professor planeje e teorize sua prática. É preciso que o professor considere que teoria não é só o que os outros autores dizem ou escrevem, mas também o que ele próprio pensa sobre sua prática, discute e registra, revendo e renovando constantemente. Aliás, o registro e a divulgação da prática do professor são pontos importantíssimos para o avanço da construção de conhecimentos na área de ensino de Arte.

Novas territorialidades e identidade cultural

É possível falar em identidade cultural quando nos referimos à arte? Como pontuar a identidade de uma cultura?

Essas são perguntas que nos fazemos ao lidar com crianças e jovens de diferentes heranças culturais nas aulas de Arte.

As fontes de fruição, contextualização e experimento artístico são, em primeira instância, uma escolha dialogal entre: professores de Arte, escola e alunos em seus respectivos locais de trabalho.

O que pode ser proposto são referências para o balizamento dessas escolhas, a partir do momento em que os conhecimentos escolares nos proporcionam uma trajetória com vias amplamente abertas para que se possa percorrer, de acordo com o que se deseja alcançar com o ensino/aprendizagem de arte.

Nossa responsabilidade frente às nossas escolhas não se restringe a um processo educacional localizado apenas na sala de aula ou no contato escolar. Ela refletirá nossas próprias concepções enquanto indivíduos culturais e, portanto, políticos. 767

Os significados e os padrões culturais do cotidiano não são suficientes para garantir o aprendizado dos estudantes e ampliar seus horizontes. Propostas ou referenciais curriculares são necessários, mas por si só não são suficientes para o desenvolvimento de um projeto educacional que pretenda a formação integral do educando. Em arte, há necessidade de ampliarmos, em nossos alunos, o âmbito e a qualidade da experiência estética.

Isso significa que existe uma interlocução entre as propostas de construção elaboradas pelo educador e o respeito ao conhecimento trazido pelo aluno. A experiência estética já é desfrutada pelo indivíduo antes que ele entre para a escola.

Sendo a arte parte integrante da cultura, sua incorporação nas escolas é uma das estratégias mais poderosas para a construção de uma cidadania multicultural, já que facilita o conhecimento e o desfrute das expressões artísticas de diferentes culturas, o que submerge os alunos no reconhecimento e respeito à diversidade cultural e pessoal.

A vivência de experiências estéticas significativas depende de intencionalidade responsável, tanto na legitimação dos propósitos quanto na clareza do que se pretende avaliar ao final do tempo de trabalho.

É importante destacar o papel do ensino de arte na informação de suas premissas e valores, mas tão importante quanto é destacar esse ensino na construção da personalidade e valores do próprio sujeito aprendente. A arte deixa, pois, de ser uma ferramenta educacional para ser um motivo de vida e de exercício de cidadania.

É preciso pensarmos e agirmos em estratégias que contemplem a complexidade da arte/educação tanto em relação ao artista/professor/pesquisador que aprende enquanto ensina, quanto em relação ao educando, que constrói conhecimentos e vida cultural e pessoal nessa relação. As formas têm que ser múltiplas e criativas.

Fica a responsabilidade na formação de professores de Arte que sejam aptos a colaborar na tarefa de transformar o conjunto de conhecimentos e experiências em algo apreendido e aprendido como valor. Professores/artistas que sejam capazes de criar, produzir, pesquisar, teorizar, educar, provocar, refletir, construir trajetórias e aceitar desvios.

O ensino de Arte pode promover a valorização social da formação artística, em seus diferentes enfoques, níveis e modalidades, como campo específico de conhecimento que constitui e desenvolve a sensibilidade e a capacidade de criação dos povos, baseada na memória e renovação do patrimônio natural e cultural, assim como no reconhecimento da diversidade cultural.

Contamos com um rico patrimônio natural e cultural tangível e intangível que precisa ser respeitado e preservado em movimentos constantes e dinâmicos de ação. Cabe aos sistemas educativos propiciar acesso a esses bens culturais, de forma que novas formas de educação, novas estratégias e ações criem condições para a construção do presente e do futuro. É uma ação política que necessita de todos os envolvidos para ser levada a cabo.

Aprendizagens e saberes

Como área de conhecimento, Arte está ligada ao pensamento complexo, que, ao mesmo tempo que aciona os níveis mentais e sensitivos mais simples, elabora conexões e interrelações em todos os níveis, de forma muitas vezes não linear.

Os estudos recentes na área da aprendizagem têm demonstrado que várias são as formas de aprender. A aprendizagem, também, não é um fato individual, mas se realiza no coletivo, horizontal e verticalmente. Isso quer dizer que vários são os fatores que contribuem – ou não – para que uma criança aprenda. E esses fatores são das mais variadas ordens e a escola é o espaço instituído pela sociedade para sistematizar determinadas aprendizagens.

Contemporaneamente, estudos já demonstram que os estágios de desenvolvimento da criança, antes taxados como espontâneos, padronizados e de responsabilidade individual, acontecem de forma integrada com as aprendizagens a que ela está submetida. Isso muda o foco da questão, passando-a da condição individual para a condição coletiva. E mais: só acontece a aprendizagem quando há criação de sentido, isto é, quando a informação for significativamente consistente para que ganhe significância para a criança.

Repetir ou treinar habilidades que nada significam para o aluno não promove, portanto, aprendizagem. Há estudos que comprovam que o espaço para a imaginação é o espaço mais propício para construção de conhecimentos. A teoria da Cognição Imaginativa ganha cada vez mais força na área da aprendizagem.

O ensino de arte, nos dias de hoje, não pode se abster do uso de tecnologias contemporâneas, quer seja na produção artística, quer seja nos estudos sobre arte. Desde a fase de registro escrito ou imagético, o uso de tecnologias participa da vida do artista/professor/pesquisador, mesmo que seja apenas como ferramenta. Já na fase de divulgação, a ferramenta pode vir a ser um instrumento de criação. A divulgação, tanto da produção quanto dos estudos, deve fazer parte integrante do processo de ensino, uma vez que é através dela que esse processo se dinamiza e reinicia constantemente.

A tecnologia digital propicia novas formas de pensar e fazer arte. Para que isso aconteça, os alunos precisam entender a natureza dos instrumentos de arte e os meios de escolha. Isso significa que é importante que façam exercícios para conhecer programas de tratamento de imagem, por exemplo, mas é essencial que pensem seu trabalho como sua própria produção artística, e não somente usem os recursos desses programas aleatoriamente.

Ao trabalhar com arte digital, algumas considerações devem ser feitas. É necessário pensar até que ponto é o equipamento que determina os resultados conseguidos e até que ponto esse resultado é o pensamento artístico do autor da obra. Também é necessário pensar se o uso do equipamento é a melhor escolha em relação aos meios de criação. Muitas vezes, o uso de técnicas tradicionais aliadas aos meios digitais é a melhor saída para a elaboração de uma obra.

É fundamental, portanto, no ensino de arte contemporâneo, que os alunos, através de pesquisas, observações, análises e críticas, possam conhecer e analisar os processos:

• dos produtores de arte - artistas;

• dos seus produtos - obras de arte;

• dos difusores tecnológicos da produção artística;

• dos públicos apreciadores de arte no âmbito da multiculturalidade.

Referências

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Lucia Gouvêa Pimentel

Professora Titular da Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais (EBA/UFMG). Doutora em Artes-Arte/Educação (ECA/USP). Membro da AMARTE, ANPAP, FAEB, do CLEA, do Conselho Mundial da InSEA e do Comitê de Especialistas da OEI. Atua nas áreas de ensino de arte e tecnologias contemporâneas, gravura, formação de professores, currículo e metodologias de avaliação em arte e projetos culturais.

INTERFACES COM ARTISTAS LOCAIS

O ensino de Arte na escola: interfaces com as artistas locais

La educación artística en la escuela: la interfaz con los artistas locales

BARROS, N.B

Acadêmica do curso de Especialização em Artes Visuais/EBA/UFMG

ANJOS, C.R

Professora orientadora do Curso de Especialização em Artes Visuais/EBA/UFMG

Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais – EBA/UFMG - Brasil

RESUMO

O texto “O ensino de Arte na escola: interfaces com as artistas locais” é parte da monografia

que será apresentada ao Programa de Pós-graduação em Ensino de Artes Visuais/EAD

realizado pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, em agosto

de 2009. A investigação teve como objetivo identificar, descrever e compreender como se dá

a aproximação da produção artística local com o ensino da Arte, especificamente, com os

alunos do nono ano de uma escola da rede estadual de educação da cidade de Araçuaí, a

partir das definições, pressupostos e indicações pedagógicas presentes na LDBEN 9394/96

e da Proposta Curricular do Estado de Minas Gerais. Buscou, assim, aprofundar o

entendimento da escola quanto à inserção do trabalho das artistas locais nas práticas

cotidianas da mesma. A metodologia usada foi o estudo de caso, no qual foram feitas

observações das práticas cotidianas de ensino da Arte, bem como entrevistas semiestruturadas

com duas artistas, com estudantes e com o professor de Arte. Os resultados da

pesquisa evidenciam que a escola tem avançado muito lentamente nessa concepção,

principalmente no que se refere apropriação da produção artística local como conteúdo de

estudo da disciplina.

RESUMEN

El texto "La educación artística en la escuela: la interfaz con los artistas locales, es parte de

la monografía se presentará a la Post-graduado de la Escuela de Artes Visuales / EAD

llevada a cabo por la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Minas Gerais en

agosto de 2009. La investigación tuvo como objetivo identificar, describir y comprender cómo

el enfoque de la producción artística local com la educación de arte, específicamente con los

estudiantes de noveno grado en una escuela en el sistema estatal de educación en la ciudad

de Araçuaí de las definiciones , los supuestos y las indicaciones pedagógicas presentes en

LDBEN 9394/96 y la estructura propuesta para el Estado de Minas Gerais. Buscamos tanto,

profundizar en la comprensión de la escuela y la inserción de la obra de los artistas locales

en las prácticas cotidianas de la misma. La metodología utilizada fue un estudio de caso en

el que se realizaron observaciones de las prácticas cotidianas de la enseñanza del arte, así

como entrevistas semi-estructuradas con los dos artistas, con los estudiantes y el profesor

de Arte. Los resultados del estudio muestran que la escuela se ha movido muy lentamente

en este punto de vista, especialmente con respecto a la propiedad de la producción artística

y el estudio de contenido local de la disciplina.

Palavras-chave: arte, educação, ensino e cultura.

Palabras-claves: arte, educación, educación y cultura.

Este artigo consiste de reflexões que foram se constituindo ao longo da nossa

prática pedagógica e, conseqüentemente, durante o curso de Pós-graduação em

Ensino de Artes Visuais, modalidade a Distância, realizado pela Escola de Belas

Artes da Universidade Federal de Minas Gerais – EBA/UFMG, especialmente da

primeira autora com o ensino de arte e que nos estimularam a buscar uma

compreensão mais situada deste campo de conhecimento numa escola da rede

estadual da cidade de Araçuaí- MG.

Algumas indagações serviram de ponto de partida: as práticas pedagógicas,

especificamente, o ensino de Arte está dialogando com a produção artística local?

Por que a escola não utiliza como material didático a produção artística local? Por

que os estudantes não conhecem a produção artística da região onde vivem? Como

está o ensino de Arte na Escola Estadual Dom José de Haas a partir da LDBEN

9394/96? Em que a Proposta Curricular do Estado de Minas Gerais está contribuindo

para o ensino da arte?

Para problematizar e responder a essas questões foram revistas as várias e

permanentes discussões acerca do ensino da arte no Brasil e, principalmente, na

Rede estadual de ensino de Minas Gerais a LDBEN 9394/96 é, sem dúvida, um

marco significativo na História da Arte/Educação e, mais especificamente, no ensino

da arte, porque estabelece tal disciplina como componente obrigatório da educação

básica. Da mesma forma a Proposta Curricular do Estado de Minas Gerais/Arte/

2006 porque considera a arte como uma área de conhecimento com especificidades

e elementos próprios em sua constituição.

A necessária delimitação de um problema de investigação nos levou a um

recorte desse ensino da arte numa escola da rede estadual de ensino/MG/Araçuaí.

Teve como objetivo compreender como se dá a aproximação da cultura local,

especificamente o artesanato, com o ensino de Arte na Escola Estadual Dom José

de Haas, bem como com os estudantes da referida escola. Especificamente, o tipo

de apropriação que os professores de Arte têm da arte local, em especial o

artesanato, como área do conhecimento na formação estética e crítica dos alunos;

como os estudantes desenvolvem suas habilidades artísticas e como as relacionam

com as produções dos artistas locais, bem como as produções de seus colegas e

seus respectivos interesses em conhecer a história de vida dos artesãos da região e

a valorização do artesanato do Vale do Jequitinhonha.

A pesquisa foi de natureza qualitativa, configurando-se em um Estudo de

Caso desenvolvido em uma escola de rede estadual de ensino, na cidade de

Araçuaí. A escola escolhida foi a Escola Estadual Dom José de Haas por conter um

alunado bastante diversificado, oriundo de áreas periféricas e da zona rural que

convive com as mais variadas situações da vida cotidiana. As técnicas utilizadas

foram: levantamento bibliográfico permanente, tomando como referência central

Pimentel (1999) que favoreceu maior entendimento da relação professor/aluno no

processo de ensinar e aprender arte, quando diz:

ensinar e aprender arte não é um processo de mão única. Depende da

participação efetiva de professores e alunos. Ambos têm conhecimento e

experiência no assunto e experiência de vida, isto é, aprendizagem

institucional (1999, p. 41).

Além disso, entrevistas semi-estruturadas, observação sistemática do

cotidiano da escola; observação participante; coleta de depoimentos orais e pesquisa

documental junto ao acervo da Escola e de outras fontes.

Por conta da limitação de espaço, neste artigo privilegiamos os depoimentos

das artistas locais, dos estudantes e do professor de Arte da escola pesquisada, em

que pese o texto completo da pesquisa abranger outras atividades relativas a esta

disciplina.

Desenvolvimento

Este estudo visou refletir sobre o significado sócio-cultural da Arte no contexto

escolar, no sentido de ampliar a percepção, a imaginação e a capacidade de

expressão dos estudantes da Escola Estadual Dom José de Haas e, também sobre a

contribuição para o crescimento pessoal, experiência lúdica e humanizadora e,

sobretudo, para a construção do conhecimento, interpretação, expressão artística e

transformação da realidade.

Para isso, necessário se fez buscar elementos na expressividade da

população da região, sobretudo, dos artistas e da produção artística. Para mais

adiante, dialogarmos com o ensino de Arte na escola.

No Vale do Jequitinhonha, a cultura é manifestada de várias formas, por meio

da música, teatro, festas religiosas, dentre outras. Porém, a manifestação cultural

mais forte, que traduz com fidelidade a resistência e a luta de um povo é o barro e a

madeira é possível sustentar a vida que está expressa no artesanato. É o berço de

vários artesãos como Lira Marques, Zefa, Adão, D. Isabel, dentre outros,

reconhecidos mundialmente.

Em depoimento, D. Lira e D. Zefa verbalizaram, entre outras, sobre suas

produções, bem como de suas impressões sobre o ensino de Arte nas escolas de

Araçuaí e o reconhecimento de seus trabalhos na região onde vivem e produzem.

A partir do depoimento D. Zefa, pudemos constatar que existe um preconceito

muito grande em relação ao que o pobre e o negro, bem como em sua produção.

Isso fica evidente na fala da artista, quando revela que

o que eu faço, as peças que crio, fossem produzidas por pessoas de posse,

com certeza estariam numa condição bem melhor do que a minha e sua

arte reconhecida e valorizada (Entrevista realizada em 26/04/2009).

Já no depoimento de D. Lira, ficou evidenciado que a sua arte é muito

reconhecida pelas pessoas de fora, mas desvalorizada pelo povo de sua região,

principalmente do seu município. Afirmou também que essa desvalorização está

relacionada à falta de reconhecimento do seu trabalho, como arte.

No entanto, pudemos verificar que essas artistas são conhecidas e

reconhecidas nacionalmente e, até mesmo, internacionalmente pela grandiosidade

da sua arte. Embora não tenham atingido o reconhecimento por parte da

comunidade local, elas atribuem aos educadores em geral a responsabilidade de

fazer da escola um espaço de preservação da cultura, proporcionando aos

estudantes o contato com as mais variadas manifestações culturais.

Sobre isso, percebemos que não existe, ainda, por parte das escolas, dos

professores de Arte e, menos ainda, por parte de professores de outras áreas do

currículo escolar, o conhecimento e reconhecimento enquanto expressão de um

povo. Apesar das indicações da legislação em vigor, LDBEN 9394/96, e as

proposições curriculares oficiais, PCN/Arte (1998), PCMG/Arte (2004) e o CBC/Arte

(2005) para esse ensino, de forma a conhecer, considerar e interpretar as

expressões artísticas regionais, nacionais e internacionais e a partir da reflexão,

contextualização e do fazer artístico ampliar o repertório visual do estudante. Estas

indicações, de acordo com nossa interpretação, estão presentes nos elementos de

composição das obras de artes visuais – escultura, modelagem e pintura que fazem

parte do Eixo Temático I “Conhecimento e expressão em Artes Visuais” do CBC

(Conteúdo Básico Comum) em Arte do Ensino Fundamental do 6º ao 9º anos.

Na entrevista realizada com os estudantes da referida escola, percebemos um

desconhecimento, de um modo geral, da vida e obra dos artistas de Araçuaí embora

esses jovens reconheçam o valor da arte, pois sabem que com ela, eles se

aproximam de saberes culturais, reconhecem suas raízes, além de desenvolver

conhecimentos estéticos e artísticos, competências e habilidades como define as

Proposições Curriculares do Estado de Minas Gerais/Arte:

arte é a oportunidade de uma pessoa explorar, construir e aumentar seu

conhecimento, desenvolver suas habilidades, articular e realizar trabalhos

estéticos e explorar seus sentimentos. O ensino de arte deve possibilitar a

todos os alunos a construção de conhecimentos que interajam com sua

emoção, através do pensar, apreciar e do fazer arte (2008, p.12).

No entanto, percebemos que esses alunos manifestaram interesses em

conhecer as obras de Lira e Zefa, ou mesmo de outros artesãos locais, e mais, que

essas obras sejam tomadas como objeto de estudo.

Já com o professor de Arte da turma investigada, pudemos perceber que sua

prática é fundamentada no que define o CBC de Arte para os anos finais do ensino

fundamental; porém, a parte prática, no que diz respeito à utilização do artesanato

local como objeto de estudo, fica restrito a material teórico e de áudio, o que foi

justificado pelo mesmo, a falta, na maioria das vezes, de adequação dos materiais

pela escola.

Considerações finais

Embora muitos traços do passado tenham se extinguido com a globalização,

presenciamos os artesãos que relutam contra as intempéries do tempo e que

continuam preservando sua arte, manifestada especificamente no artesanato, que

não perdeu sua majestade, pois continua muito rico e diversificado como grande

destaque da riqueza cultural do Vale do Jequitinhonha.

Apesar da falta de acesso a produção artística da região, os estudantes

demonstram a vontade e necessidade de conhecê-la, e avaliam que a escola seria

um veículo em potencial para isso.

Em relação à escola, percebemos que falta uma apropriação maior da arte da

região, principalmente pelas indicações pedagógicas contemporâneas que requer um

ensino mais voltado para realidade de seus atores.

Diante dos fatos observados, percebemos, também, a importância e

necessidade da escola em replanejar sua proposta curricular na busca da

valorização da arte como forma de crescimento pessoal e social dos alunos. Além de

aprender a produzir e apreciar trabalhos de arte é importante que os alunos

aprendam a valorizar a produção artística de diversos grupos sociais e que essa

aprendizagem seja iniciada com os artistas locais, com respeito às suas origens,

preservando essas manifestações artísticas para que possam perpetuar no tempo e

não acabem fazendo parte somente de acervo literário, virando história.

Em que pese os avanços e movimentos realizados pela escola para significar

os conteúdos escolares, ainda há uma distância grande para considerar o potencial e

a qualidade do trabalho das artesãs locais e a utilização da matéria prima disponível

na região como conteúdo a ser desenvolvida nas aulas de Arte.

Referências

BRASIL. Lei n. 9394/96 – 20 de dezembro de 1996. Lei de Diretrizes e Bases da Educação.

MINISTÉRIO DA EDUCAÇÃO E DO DESPORTO. Parâmetros Curriculares Nacionais: Arte,

1998.

PIMENTEL, Lúcia Gouveia, CUNHA, Evandro José Lemos da, MOURA, José Adolfo.

Proposta Curricular CBC Arte Ensino Fundamental e Médio

Estado de Educação de Minas Gerais, 2006.

PIMENTEL, Lúcia Gouveia. Limites em Expansão: Belo Horizonte: C/Arte, 1999.

Autoras:

BARROS, Niara Barbosa. - Formada em Pedagogia pela Fundação Educacional Nordeste

Mineiro em Teófilo Otoni/MG, Pós-graduada em Adolescência e Relações de Gênero com

ênfase em Educação Afetivo-Sexual pela Newton Paiva, Pós-graduanda em Especialização

em Ensino de Artes Visuais pela EBA/ UFMG.

ANJOS, Cláudia Regina - Graduada em Licenciatura em Desenho e Plástica pela Fundação

Mineira de Arte Aleijadinho (1992), especialista em Arte/Educação, pelo CEPEMG. Mestra

em Educação pela Pontifícia Universidade Católica de Minas Gerais (2008). Professora

pesquisadora da Universidade Aberta do Brasil pela Escola de Belas Artes da Universidade

Federal de Minas Gerais e professora da EJA da Rede Municipal de Ensino de Belo

Horizonte. Atualmente é presidente da Associação Mineira de Arte/Educadores (2009/2012).. Belo Horizonte: Secretaria de

PLANEJAMENTO 2012 E OS ARTISTAS DE MINAS EM SALA DE AULA

É chegado o momento de todos os professores já encaminharem o planejamento 2012!

E a disciplina curricular ARTE, ARTES VISUAIS?

São inúmeras possibilidades, como trabalhá-la? Como organizar o processo de ensino/aprendizagem? Quais modalidades organizativas: plano de aula? sequência didática? atividade permanente? projeto? Qual conteúdo? Como inserir os ARTISTAS DE MINAS EM SALA DE AULA?  Por onde começar?

Estabeleceremos um longo e largo diálogo nas próximas postagens, tendo em vista o PLANEJAMENTO 2012!

Inicialmente, pensemos nos nossos propósitos, o que pretendemos ensinar, o que esperamos que nossos alunos aprendam? Lembrando que objetivo é o que se espera que a turma aprenda em determinadas condições de ensino. É ele que orienta quais conteúdos devem ser trabalhados e quais encaminhamentos didáticos são necessários para que isso ocorra.

Conteúdo é o conjunto de valores, conhecimentos, habilidades e atitudes que o professor deve ensinar para garantir o desenvolvimento e a socialização do estudante.

Pode ser classificado como

conceitual (que envolve a abordagem de conceitos, fatos e princípios),

procedimental (saber fazer) e

atitudinal (saber ser).

E conceito é a definição de um determinado termo. Um exemplo: se o objetivo é o aluno identificar o que é um desenho no contexto das demais manifestações visuais, o professor deve apresentar, conforme o ano/a série, como conteúdo as diversas manifestações (audio) visuais (desenho, pintura, gravura, cestaria, tapeçaria, fotografia, vídeo, instalação etc), situar o conceito de desenho- como conhecimento artístico e estético - e explicar o aspecto que o diferencia das demais manifestações visuais. Observe que é preciso definir primeiro os objetivos de ensino e aprendizagem para depois selecionar e organizar os conteúdos.

Isso posto, estabeleçamos os objetivos de ensino e aprendizagem de cada série/ano da Educação Infantil, Ensino Fundamental I e II, Ensino Médio.prender a aprender, formar o hábito de pensar, investigar, pesquisar, habilitar-se a trabalhar de acordo com os critérios da ciência, desenvolver o espírito crítico e a criatividade são atualmente exigências às quais o sistema educacional necessita atender.

Mas desde já estejamos atentos ao fato de que a capacidade de assimilação de conteúdos e de acumulação de conhecimentos não é suficiente para a busca de soluções dos complexos problemas do mundo em que vivemos.  A atividade pedagógica “de ponta” visa estimular o espírito de busca e ensinar a construir o conhecimento. De todos, pesquisadores, profissionais, educadores e educandos, em gradações distintas, são exigidas aptidões para colocar e resolver problemas e o aprendizado de princípios e regras que organizem o conhecimento.

O trabalho com projetos no ambiente escolar permite inovar a dinâmica de ensino-aprendizagem na condução de temas de interesse da comunidade escolar

OS EIXOS TEMÁTICOS E A INTEGRAÇÃO DOS CONHECIMENTOS

Os projetos temáticos possibilitam uma generalização da aprendizagem ou globalização do conhecimento, essencialmente a possibilidade de se chegar a um conhecimento relacional entre as diversas disciplinas e informações disponíveis, bem como entre o conhecimento e os fatos da experiência cotidiana. Essa orientação já se encontra inserida na Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (Lei no 9394/96) e nos Referenciais Curriculares Nacionais bem como nos Parâmetros Curriculares Nacionais, que enfatizam a superação da organização curricular por disciplinas estanques, recomendando a integração e a articulação dos conhecimentos. (BRASIL, MINISTÉRIO DA EDUCAÇÃO, 1999). Essa prática se viabilizaria por meio de dois conceitos fundamentais, ressaltados pelos RCNs e PCNs: interdisciplinaridade e contextualização.

A interdisciplinaridade ressalta o caráter multifacetado da realidade e a natureza multidisciplinar dos problemas e dos saberes. Por isso, pressupõe a troca e a cooperação entre as disciplinas, de forma a evitar a fragmentação e compartimentação das diferentes áreas do saber. Caracteriza-se por um diálogo permanente entre as disciplinas e por gerar uma atitude mais aberta com relação às contribuições oriundas de outros grupos sociais.

III COLÓQUIO INTERNACIONAL EDUCAÇÃO E VISUALIDADES: INCÔMODOS

Nos dias 01 e 02 de dezembro, na Universidade Federal da Paraíba (UFPB), Campus de João Pessoa, acontecerá o III Colóquio Internacional Educação e Visualidades: Incômodos.

O evento tem como objetivo congregar pesquisadores de várias partes do país e do exterior para trocar experiências, ter acesso a perspectivas inovadoras sobre os temas e suas tecnologias e aperfeiçoar o trabalho em redes e grupos de trabalho. O público preferencial, formado por estudantes e professores da área de Artes Visuais e profissionais de áreas afins, poderá acompanhar as reflexões e participar dos debates.

Fechando as malas e embarcando daqui a pouco!

ARTE DIGITAL, AS MUDANÇAS DO VOCABULÁRIO CONTEMPORÂNEO DE ARTISTAS DE MINAS EM SALA DE AULA

                                                       FAD - Festival de Arte Digital 2011/BH

O vocabulário contemporâneo mudou, assim como as plataformas de criação utilizadas por artistas no desenvolvimento de suas obras. Há conteúdo artístico elaborado por meio de computadores, softwares, hardwares, celulares, filmadoras, câmeras digitais e dispositivos eletrônicos e digitais com baixa ou alta tecnologia. Para muitos, a arte atual não se orienta para rupturas, mas para encontros, misturas que fazem seus elementos se renovarem. A mistura, o caos, a multiplicidade de possíveis conexões é objeto dessa nova arte.

Para Alexandre Milagres, coordenador de ações pedagógicas, co-produtor dos laboratórios e seminários das edições do Festival de Arte Digital, a web arte procura estabelecer novas conexões, novos arranjos, novas formas de interação em vez de se diferenciar de alguma estética.

Para ele, "definir a videoarte é tão difícil quanto definir a própria ideia de vídeo. Podemos começar pensando que vídeo é apenas o que é gravado pelas câmeras digitais, mas vai, além disso, pois essa imagem é levada para computadores que a cortam e a alteram também, e ainda vamos mais além, pois não somente câmeras produzem imagens digitais em movimento. Computadores também produzem imagens digitais em movimento sem ter que apontar qualquer lente para o mundo. Imagens de puros bytes, de várias formas, com movimentos variados, cores variadas, efeitos variados e assim por diante. A videoarte é então a arte do vídeo, a arte da imagem captada ou confeccionada digitalmente, da imagem editada, alterada, misturada e transformada em outras, ainda em movimento. A videoarte é a arte da produção audiovisual digital, seja qual for a fonte imagética dessa produção, desde que o resultado sejam imagens que se desenrolem quadro a quadro, frame a frame, 15, 24, 30, 60 ou mesmo 1000 frames por segundo. Mas essa é apenas uma definição técnica. Se formos atrás de uma definição conceitual, a conversa vai muito mais longe. Há quem chame a arte do vídeo como a arte do entreimagens, uma arte que pensa por meio de imagens, ou o mais importante, uma arte que pensa as imagens do mundo, as representações, as máscaras, o visível, o imaginável. Uma arte que as pensa, mostrando suas superficialidades e suas profundidades, ou apenas brincando com elas, fazendo-as colidirem, como galos de briga, como imagens nervosas."

E sobre a questão da videoarte questionar a própria definição de arte, ele assim discorre:

"Vai depender de qual definição de arte estamos falando. A videoarte é parte importante para entendermos a definição da arte contemporaneamente, uma arte que mistura movimentos, mistura estilos, mistura imagens, bricolando épocas e artistas de momentos distintos e levando-os e exibindo-os em um mesmo espaço. Essa arte é parecida com a própria videoarte e podemos inclusive dizer que nasceram em um mesmo momento. É claro que “arte” é um termo mais antigo, porém, um termo cuja definição e contextos se alterou muito com o passar dos tempos, e se falarmos do que se tornou dos anos 1960 para cá, falaríamos de um percurso muito próximo ao próprio percurso da videoarte que “nasceu” nessa época e “viveu” os mesmos problemas, questionamentos, dúvidas que a própria arte contemporânea viveu. Falar de arte hoje, assim como falar de videoarte, é falar de misturas, de convivência de técnicas e estilos, de apropriações, de colagens, de ações que ligam a arte ao mundo e às pessoas."

Sobre a diferença entre videoarte, cinema e televisão, ele pontua da seguinte maneira:

"Seria tudo mais simples se fosse apenas assim: Videoarte é um meio audiovisual eletrônico/digital com produtos que começam e terminam em um certo tempo. Cinema é um meio audiovisual feito em película, com produtos que começam e terminam em um certo tempo. E televisão é um meio onde as imagens eletrônico/digitais são exibidas continuamente sem parar. Mas essas divisões não ajudam muito se pensamos que cinema também vendo sendo feito digitalmente, que no vídeo existem muitas imagens feitas inicialmente em películas 8mm, e que a televisão de hoje está cada vez mais próxima de se tornar um banco de imagens, ao invés de apenas um equipamento que somente exibe infinitamente. Pra ser sincero não gosto muito de dividir as artes. Elas funcionam melhor quando retiramos as diferenças e as aproximamos. No fundo, são todas artes do movimento e do tempo, produzindo imagens que nos fazem lembrar do que já vivemos e a imaginar o que nunca vivemos."

Sobre o fato de a fotografia ter demorado tanto para ser aceita como arte (e muitos ainda, não a considerarem) e sobre como a videoarte está presente nos mais importantes eventos internacionais de arte em tão pouco tempo, dessa forma ele pondera:

"Ela está presente, ou quase onipresente, pelo simples fato de ser maleável e propícia aos encontros e às misturas tal como a própria arte contemporânea é. Suas qualidades técnicas ajudam muito nisso. Muitos são os artistas hoje, e falo não somente dos ditos videoartistas, que querem levar para suas exposições, para dentro de suas instalações uma imagem de rua, uma imagem do mundo em movimento. O vídeo é a ponte dessa arte com esse mundo vivo e em movimento. Por isso a ideia de “entre” ligada ao vídeo. A videoarte prolifera nas galerias não somente enquanto uma proposta estética, mas muitas vezes como uma ponte dos artistas com algum elemento que só seja possível entrar em sua obra através do vídeo."

Sobre a identificação do elemento humano, na atualidade, com os avanços da tecnologia, ele destaca que:

"o elemento humano está como sempre esteve, na delicadeza, na rememoração, no sonho, na coragem, na proposta de uma mistura nunca antes vista. O humano está nas decisões, nas escolhas, nos desejos tornados imagens. Os avanços tecnológicos sempre trarão novos leques de possibilidades, mas a criatividade para utilizá-los não vem junto. Por isso, há tanta videoarte ruim, tanta webarte ruim, instalações interativas ruins, pois tecnologia não quer dizer um bom arranjo. Mas quando algo nos toca, quando uma webarte, uma videoarte, uma instalação me impressiona, não é apenas pelo seus aparatos ou efeitos, mas principalmente por existir um artista por trás delas que as utilizou para me encaminhar entre sensações que não esperava."

E com relação a possíveis especificidades na produção brasileira ou mineira, ele comenta:

"Não há uma especificidade na produção brasileira, assim como não há uma especificidade na produção de qualquer país, pois muitos são os caminhos e estilos e técnicas utilizadas por cada artista. Tentar reuní-los em uma mesma característica seria forçar algo. As especificidades quando se dão às vezes acontecem reunindo artistas de países e culturas muito diversas, que por caminhos diversos vem pesquisando e experimentando por um mesmo caminho. No mais, é muito difícil falar em algo geral. Agora quanto a Minas, podemos falar sim de uma expressividade nacional, ou mesmo em uma expressividade internacional. Alguns dos videoartistas mais consagrados no país e fora são mineiros como Eder Santos e Cao Guimarães. Há uma grande escola de videoarte por aqui."

O 5o FESTIVAL DE ARTE DIGITAL EM BELO HORIZONTE

Grandes nomes da arte digital mundial se encontraram na 5a edição do Festival de Arte Digital – FAD 2011. Realizado entre os dias 1º de setembro e 02 de outubro, em Belo Horizonte, o evento reuniu trabalhos na área digital, que são referências nacionais e internacionais. A proposta do FAD é a de contribuir para a discussão e criação de novos formatos audiovisuais que surgem com as novas tecnologias e mídias digitais. Além disso, convidar a população a uma reflexão sobre essas transformações, possibilitando a troca de informações com experientes realizadores, diretores, técnicos e produtores audiovisuais do Brasil e do mundo.

O tema do FAD deste ano foi a Cinética. Sendo assim, o movimento é o elemento base das obras que foram vistas este ano. Os trabalhos realizaram um diálogo entre si de forma mais próxima e contínua. Ao todo, foram apresentados 21 produções, entre performances, instalações e oficinas, originários de países como França, Itália, Alemanha, EUA, Portugal e Brasil. Durante trinta e três dias, o público contou com uma diversificada programação, que se divide em: FAD Performances, com oito performances audiovisuais; FAD Galeria, com onze instalações audiovisuais interativas; FAD Simpósio, com um simpósio que apresentará quatro debates; e FAD Laboratório, com cinco oficinas.

O FAD Galeria chegou com trabalhos que promoveram interação entre a arte e o público. Instalações interativas, paisagens e objetos animados pelos próprios visitantes, montaram um ambiente desafiador e intrigante. O norte-americano Brandon Barr, apresentou “Hidrostatic Journey to the Origins of Consciousness”. Deitado em um colchão d’água, o espectador assiste a um vídeo projetado em uma tela. A câmera, posicionada no fundo de um tanque, filma, apontada para o céu, enquanto o tanque é transportado de Kansas ao Rio Missouri e de volta à cidade. Karina Smigla-Bobinski, da Alemanha, chega com “ADA”, uma “criatura” pós-industrial que é animada pelos visitantes. O globo, quando em ação, cria uma composição de linhas e pontos que permanece incalculável em sua intensidade, expressão e forma, não importando o quanto o visitante o tente controlar.

Entre as inúmeras apresentações no FAD Performance, esteve a dos mineiros Aruan Mattos e Flavia Regaldo, com “Cicloritmoscópio”. Ensaios fotográficos de diferentes bairros de Belo Horizonte são projetados através de uma estrutura cinética móvel. A exposição é feita com acompanhamento de músicas tocadas ao vivo, mostrando a construção entre elementos visuais e sonoros. Já o Italiano Mikkel, em “Do you sync”, mistura sensações humanas, como medo, alegria, raiva e tristeza, em uma performance audiovisual baseada em ruídos minimalistas, samples e ritmos, com visualizações que utilizam elementos geométricos primitivos. Essa apresentação é fruto da parceria do FAD com o festival roBOt, de Bologna, dentro da programação do Momento Itália-Brasil (MIB).

As oficinas foram com temática livre, nas quais o público pode conhecer novas ferramentas de áudio e vídeo, além da criação de trabalhos de interação, como software livres e apps, para uso profissional ou particular. Nacho Duran e Marcelo Kraiser foram alguns dos responsáveis pelos trabalhos. Durante os quatro dias de Simpósio, foram debatidos os temas: “Arte Digital – Grupo Poéticas Digitais”, com Gilbertto Prado; “Tudo é movimento: da cinética dos autômatos às vanguardas cinéticas do século XX”, com Nina Gazire; “Festivais Europeus e suas Redes”, Francesco Salizzoni; e “V Performance Audiovisual em Meios Digitais e Analógicos”, com Eric Marke.

A quinta edição do Festival de Arte Digital contou com o patrocínio da Petrobras e co-patrocínio da Contax. Como apoiadores estão o roBOt, o consulado italiano, a Prefeitura de Belo Horizonte, a Prefeitura de Bologna, a Lei Federal de Incentivo à Cultura (Ministério da Cultura/Governo Federal) e a Lei Municipal de Incentivo à Cultura (Fundação Municipal de Cultura de Belo Horizonte).

SERVIÇO

5º FESTIVAL DE ARTE DIGITAI – FAD
FAD Galeria: 1º de setembro a 2 de outubro
FAD Performance: 1º a 3 de setembro
FAD Simpósio e FAD Laboratório: 5 a 8 de setembro
Local: Museu Inimá de Paula
Endereço: Rua da Bahia, 1201 – Centro – Belo Horizonte/MG
Entrada gratuita
Informações: http://www.festivaldeartedigital.com.br/

FAD EDUCATIVO: Inscrições para os painéis do Simpósio e as oficinas do Laboratório devem ser feitas pelo e-mail educacional@festivaldeartedigital.com.br

Instituições de ensino púbicas ou particulares que tiverem interesse em agendar visitas guiadas devem entrar em contato pelo e-mail educacional@festivaldeartedigital.com.br ou pelos telefones (31) 3213-4320 / 9546-3322.

FAD PAPO 2011

                                                                 FAD PAPO 2011

O Festival de Arte Digital – FAD – buscou disseminar o conhecimento sobre arte digital na capital (mas é nossa intenção fazer ecoar no interior também). Além da programação extensa do festival, que aconteceu até o dia 02 de outubro, no Museu Inimá de Paula, uma parceria com faculdades foi realizada. Então, surgiu o FAD PAPO 2011. A ideia é a de promover um encontro entre profissionais, pesquisadores da área digital e alunos das instituições, propondo um debate do meio acadêmico sobre o tema.

O 1o ENCONTRO DO FAD PAPO 2011

O primeiro encontro será nesta sexta-feira (09.09), no Auditório da Escola de Belas Artes da UFMG, às 14h. O convidado será Guilherme Castro, com o tema “Tecnologia digital e aplicações musicais”. Na ocasião, será discutido como o uso das tecnologias digitais mais recentes tem reconfigurado a prática musical de diversas maneiras; e as aplicações possíveis para um diálogo entre estúdio e performance ao vivo, através de programações desenvolvidas para a banda SOMBA e para o trabalho autoral GASTROPHONIC, dentre outros.

Guilherme Castro – é bacharel em Composição Musical (UFMG); mestre na área de música e tecnologia (UFMG) e doutorando em fundamentos teóricos sobre música e tecnologia (UNICAMP). Já atuou como músico, compositor, arranjador, técnico de som e produtor musical (em trabalhos como: Gastrophonic, SOMBA, Makely Ka, Maísa Moura, A Outra Cidade, Cartoon, Cálix, Orquestra Mineira de Rock, Vezga, entre outros), além de ter trabalhado como programador musical de ringtones (TAKENET). Atualmente é coordenador do curso de licenciatura em Música do Centro Universitário Metodista Izabela Hendrix e professor de História da Música Popular Brasileira no curso de pós-graduação em Produção e Crítica Cultural do IEC-PUC/MG.

O 2o ENCONTRO DO FAD PAPO 2011

Com a proposta de continuar a incentivar as discussões sobre temas relacionados à arte digital no meio acadêmico, aconteceu no dia 13 de setembro, às 19h, na Casa UNA, o segundo encontro do FAD PAPO 2011. O convidado foi Carlos Henrique Falci, que abordou “Memória e arte digital”.

As discussões tiveram como eixo central a criação de memórias coletivas, em ambientes programáveis, e o uso de metadados como auxiliadores no processo de intercruzamento entre memórias comunicativas e culturais. Além disso, foi apresentado um projeto, que utiliza metadados, desenvolvido para memórias de mídias móveis.

Carlos Henrique Falci – é doutor em Literatura pela Universidade Federal de Santa Catarina e mestre em Ciência da Informação pela Universidade Federal de Minas Gerais. É professor no curso de Cinema de Animação/Artes Digitais, na área de arte mídia, na Escola de Belas Artes da UFMG. É membro do grupo de Pesquisa 1maginári0, da UFMG, que produz e investiga obras que conjugam arte e tecnologia. Atualmente, desenvolve pesquisas sobre produção de memórias culturais com uso de metadados e mídias móveis, financiada pela FAPEMIG. Participou de congressos no Brasil e no exterior, em que discute a relação entre memória e tecnologia.

O 3o E ÚLTIMO ENCONTRO DO FAD PAPO 2011O último encontro do FAD PAPO 2011 aconteceu no dia 22/09, com a presença do doutor em Literatura Comparada pela UFMG, Marcelo Kraiser. O evento fez parte da programação especial de aniversário dos 40 anos da Faculdade de Comunicação e Artes da Puc Minas.

O tema discutido foi “Entre o analógico e o digital na criação de sons e imagens”. Kraiser irá apresentar o processo de criação de imagens e sons em vídeos desenvolvidos por ele. Além disso, a transição de fotografias, poemas visuais, músicas para performances, danças e cenas teatrais entre meios analógicos e digitais.

Marcelo Kraiser –  é professor da Escola de Belas Artes da UFMG, graduação nas disciplinas de desenho e fotografia. Doutor em Literatura Comparada pela FALE/UFMG com tese sobre o pensamento de Deleuze e Guattari e a literatura de Clarice Lispector. Artista plástico, poeta, ilustrador e videomaker. Realizou 11 exposições individuais e participou de mais de 40 coletivas em artes plásticas. Compõe trilhas sonoras para performances e dança, colaborando com a Benvinda Cia. De Dança, Quick Cia de Dança, dentre outros. É autor do DVD Para Teus Olhos, com 20 vídeo-poemas, livremente baseados na obra de Clarice Lispector. Dentre os livros publicados de poemas visuais, destacam-se Corpos Seriais e Lucia Rosas, em colaboração com a poeta Vera Casa Nova. Foi um dos coordenadores do projeto ligado à improvisação entre corpo, tecnologia e música Improvisões, no Teatro Marília, Belo Horizonte. Lançou em 2009 em coautoria com Paola Rettore o trabalho Pequenas Navegações, livro e DVD com poemas textuais, sonoros e visuais. Fundou o Creuza-Grupo de Improvisação em Dança, Som, Imagem e Palavra. Mais recentemente participou na concepção, trilha sonora e construção de instrumentos nos espetáculos 10xTorsões e Anjos, Laranjas e Jaburus com a bailarina Izabel Stewart, e da ZIP, Zona de Invenção Poética com performances e poemas visuais.

Bibliografia sugerida para a elaboração de atividades pedagógicas:

COSTA, Cristina. Educação, imagem e mídias. São Paulo: Cortez, 2005.

KRAUSS, Cristina. Apontamentos sobre Video Arte no ensino/aprendizagem de Artes Visuais. Belo Horizonte: EnsinArte, 2009.

PILLAR, A.; VIEIRA, D. O vídeo e a metodologia triangular no ensino da arte. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul: Fundação Iochpe, 1992.